Vor ein paar Tagen bat mich Iris, ein paar eröffnende Worte zu ihrer Ausstellung und ihren Werken zu sagen. Zunächst war ich etwas überrascht, denn ich bin keine Kunsthistorikerin und ein kunstbeschreibendes Lexikon liegt mir nicht auf der Zunge. Andererseits war es dann aber doch im Rahmen des Vorstellbaren, denn ich habe bisher jede Ausstellung von Iris besucht. Außerdem schreibe ich Musik und bewege mich somit – genauso wie Iris – in einem Bereich, der hinter der Sprache liegt, im Unterbewussten.

Auch über Musik ist es schwer, zu sprechen, es bedeutet immer ein Ringen und Suchen um etwas herum, was einem entwischt. Erklärt man als Künstlerin einem, wie man es gemacht hat, verrät man seine intimsten Quellen. Das Preisgeben von Mitteln kann, andererseits, eine Enttäuschung auslösen, weil etwas doch so oder zu einfach entstanden ist. Redet man zu viel und zu kompliziert, empfindet das Publikum es womöglich als Hochstapelei und vermutet vielleicht einen Scharlatan dahinter. Erklärt man gar nichts, wird es schlicht nicht akzeptiert. Erklärt man alles, hat man trotzdem das Wichtigste nicht sagen können, denn ein visuelles Werk ist per se verbal nicht greifbar.

Das Geheimnis kann nicht wirklich aufgelöst werden: warum ist dieses Werk entstanden, und wie genau wirkt es auf uns. Ob und wie verändert uns das Werk, was wir betrachten? Wie lange müssen wir davorstehen, bis es einen Abdruck in uns hinterlässt? WIE müssen wir darauf schauen, dass es räsoniert? Trotzdem, bei all der Schwierigkeit, ist und bleibt die wichtigste Aufgabe der Kunst, zu kommunizieren, eine Verbindung herzustellen: eine Verbindung vom Kunstwerk zum Menschen und, darüber hinaus, eine Verbindung des Menschen zu seinem eigenen Geist oder seiner eigenen Seele.

Ein Kunstwerk, das berührt, bleibt in der inneren Bibliothek gespeichert und entfaltet dort seine Wirkung in einem speziellen Raum, was man als „Intuition“ beschreiben kann.

Intuition ist eines der Begriffe, den Iris selbst erwähnt, wenn sie über ihre Arbeit spricht. Ihre Werke spielen mit Andeutungen, freien Assoziationen und Illusionen. Sie sind unvorhersehbar und überraschen durch Vielfalt von Motiven, kompositionellen Lösungen und vor allem auch – Stimmungen. Es sind im eigentlichen Sinne Traumbilder, die entstehen, wenn die Realität außer Kraft gesetzt wird. Wenn man länger in ein Bild schaut, in dem Iris das ihr eigene hell brillierende Farbenspektrum einsetzt, könnte man für ein paar Minuten fast erblinden – bis man dann sich in die andere Richtung dreht, wo eine schwarze Fläche dominiert und uns in einen anderen Traum wirft.

Iris’ Werke charakterisiert ebenfalls pure Spielfreude und Leichtigkeit – schauen wir nur auf die kleinen Miniaturen, die auf den kostenlosen Edgar-Postkarten entstanden sind – „damit sie schöner werden“, wie sie sagt. Die Welt durch den eigenen Blick gestalten und umgestalten.

Aufmerksam und vital durch diese Welt – trotz allem – immer weiter zu schreiten.

Das, was ist, erkennen. Das, was „verhimmelt“ sein muss, verhimmeln: das ist die Welt der Künstlerin Iris Templeton.

So viel Sehnsucht auf so kleiner Fläche!

Ich freue mich, dabei sein zu dürfen.

Eine Staffelei ist nicht das Werkzeug von Iris Templeton. Die großen Bilder entstehen auf dem Boden ihres luftigen Altbauateliers im Hamburger Grindelviertel. Von allen Seiten aus wird die Leinwand mit kleinen, breiten, spitzen, oder flachen Pinseln, Farben sowie Filzstiften bearbeitet. In meist meditativer Stimmung umkreist sie das entstehende Kunstwerk, wechselt ihre Standpunkte, malt mal mit schneller Geste von hier, mal mit klarer Führung von dort aus. Manchmal wird die Leinwand gekippt, damit flüssige Farbe herunterlaufen kann. Dann wieder dreht sie das Bild um 180 Grad, sodass die entstehenden Spuren in den Himmel weisen.

»Man kann auch in den Himmel fallen.« Dieser, von Iris Templeton gern zitierte Hölderlin-Satz, ist einer, der ihrer Sehnsucht entspricht. Ein eindeutiges Oben scheint es in den Bildern ebenso wenig zu geben, wie ein klares Unten. Ein Vorne kann auch ein Hinten sein. Die Künstlerin spielt mit dem Räumlichen, sie sucht die Dimension, sie findet die Farben, sie setzt eine Form. Die Betrachter entscheiden, was sie sehen mögen. Frei sollen sie sein, das ist der Künstlerin wichtig. Sie lässt sich ungern festlegen, verwirft, übermalt, setzt Schicht über Schicht, reduziert, sucht eine ehrliche Aussage. Ihr ist es wichtig, dass die Exponate etwas bewegen, erfreuen, anregen – oder aufregen. Ergeben sich Einblicke, die die Aussichten ändern, so haben die Bilder ihr Ziel erreicht. Diese freisetzende Kraft in die Bilder hinein zu geheimnissen, entspricht ihrer Haltung. Und wenn ein großes Bild wieder ein Stück weiter gekommen ist, dann entstehen aus den angerührten Pigmentfarben, aus den Tagesresten kunstvoll kleine Miniaturen. Ganze Stapel an A6-Blättern schichten sich auf. Serien entstehen, mal landschaftliche, mal florale und dann wieder nur abstrakte. Skizzenhaft sind diese Miniaturen und immer so, dass man die auf bündiges Holz geleimten Motive gerne ganz groß sehen mag. Im Kleinen liegt das Große. Im Großen das Kleine. Grundsätzlicher kann ein Kunstbegriff nicht sein. Im umfangreichen Werk der Künstlerin findet sich dieses Doppelmotiv wie ein roter Faden, wie eine Laufspur, einer in den Himmel fallenden Wahrheit.